Artículos del I Concurso Gorg

[green man]

[b:89d86xnn][color=darkred:89d86xnn]Rage Against The Machine[/color:89d86xnn][/b:89d86xnn]

[img:89d86xnn]http://www.coverportal.de/cover/audio/r ... hine_a.jpg[/img:89d86xnn]

Con 18 años, no me creo ni con la base ni con la experiencia suficiente para hablar de la publicación de discos de Van Halen, Satriani o Led Zeppelin, ya que no viví in situ la revolución que esto causaría en el mundo de los guitarristas. Además, no soy muy dado a escuchar discos completos de solistas, ya que me aburren soberanamente. Por todas esa razones a continuación hablaré sobre el primer disco de Rage against the machine (del mismo título), en el que Tom Morello comenzó a dar rienda suelta a su creatividad, mostrando a la gente que no estaba todo inventado en el mundo de la guitarra.

Este disco no es la obra de un solista, no es la obra del típico guitarrista con solos que ocupan una canción entera, es la obra de un grupo cuyo guitarrista (para muchos) revolucionó la manera de tocar. El personaje en cuestión es Tom Morello. Guitarrista peculiar, tímido, casi inmóvil en el directo, siempre pegado a su gorra de béisbol y fiel a su sonido. No hace falta más que escuchar el principio de una de sus canciones para darnos cuenta de que es él el que toca. Sus rompedores riffs de pentatónica perfecta son una de sus características principales (no hay más que escuchar el comienzo del disco con el riff de “Bombtrack”).

Pero su principal peculiaridad no es ésta, ya que muchos de sus riffs pueden recordar (aunque para muchos esto sea un sacrilegio) a los que tocaba Page en Led Zeppelin, sobre todo ahora, en la etapa de Morello con Audioslave. Su principal atractivo es el uso de los efectos. Con 6 pedales contados, que no ha cambiado en estos últimos 14 años (un whammy, un wha, EQ y poco más), Morello es capaz de crear cualquier tipo de sonido que se le pase por la cabeza a base de exprimirlos. Tanto es así, que en el libreto del disco consta un mensaje en el cual se explica que no se usaron ni samplers ni teclados en el disco, sino que todo es producto de su guitarra. Solos como los de “Killing in the name” usando y abusando del whammy son una muestra de su originalidad.

Nunca ha sido un guitarrista que abuse del sweep picking y de técnicas de “shreder” (aunque podría hacerlo, ya que su técnica es envidiable) lo cual queda patente en el disco, si no que en sus solos (que no suelen sobrepasar los 40 segundos) lo que te deja impresionado es el sonido tan peculiar que consigue. En este disco pasa desde simular sirenas, a hacer “scratching” con la guitarra de una canción a otra. Además la sección rítmica de los “Rage” era realmente sólida, y todos engrasaban la maquinaria para que Zack de la Rocha soltase sus rimas panfletarias, tratando de instigar a la revolución a su público.

Oir canciones como “Bombtrack”, “Take the Power Back”, “Freedom” o “Know your enemy”una detrás de la otra no deja indiferente a nadie, y mucho menos en el ’92. Difícilmente se puede encontrar a un guitarrista que diga tanto en tan poco tiempo y que sorprenda de esa manera. La mesura en sus solos es sin duda una de sus virtudes, y consigue que no te canses de escucharle, como a muchos nos ocurre con grupos de heavy metal y sus inacabables solos.

Por otra parte, la presencia de Morello en el escenario es apabullante. ¿Cómo puede un guitarrista que apenas interactúa con el público (de hecho no se mueve de su sitio) robarle el protagonismo a un cantante que no para de provocar, saltar y dar espectáculo?

La única pega que le puedo poner a este disco es que inició un movimiento que aparte de ellos dio a pocos grupos decentes, y que lleva atormentándonos a través de la Mtv bastante tiempo.

En definitiva, un disco esencial para todo guitarrista no clásico, al que le guste escuchar canciones directas y solos atípicos.

[mccarty]

[img:3hklo2g2]http://img48.imageshack.us/img48/6964/97wa.jpg[/img:3hklo2g2]

hablar de un solo disco de stevie ray vaughan es bastante dificil.
es como decir que solo nos vamos a quedar con una sola guitarra de nuestra coleccion.
solo podria empezar esto de una manera y es diciendo que stevie ray vaughan fue (el hombre que volvio a darle vida al blues).
es muy dificil por no decir imposible el tener esa forma de tocar la guitarra.
es casi imposible el sentir la guitarra entre las manos y hacerla sonar como el la hacia sonar y hacer que esa guitarra gritara y exclamara esos sentimientos que sin necesidad de palabras el conseguia hacer llegar atraves de su musica.
escuchar cualquier disco de este hombre que hizo de la musica un arte.
andentrarte en su forma de tocar es ir descubriendo una nueva forma de tocar y de sentir la guitarra.
cuando empeze a escuchar a stevie ray vaughan descubri de verdad como sonaba una fender y el potencial que se le podia sacar a esa mitica guitarra que sin duda stevie ray vaughan puso en un altar.
SRV.con 16 o 17 años tocaba la guitarra como muchos no tocaran en su vida.
lo que hace grande a un guitarrista no es su guitarra.
lo que hace grande a un guitarrista es su forma de tocar y de sentir esa guitarra y sentir la musica que tocas con el corazon.

solo una muestra de lo que quiero decir es lo siguiente que una vez lei.
ANGELA STREHLI: (cantante de blues y amiga de SRV).
STEVIE RAY VAUGHAN. un dia le pidio que le enseñase la cancion texas flood.
y le enseño.
pero sucedio una cosa muy curiosa.ella llevaba cantando esa cancion desde hacia años.
pues resulta que stevie ray vaughan profundizo tanto esa cancion y consiguio hacerla con tanto sentimiento que cuando la gente escuchaba a ANGELA STREHLI interpretar ese tema pensaba que estaba imitando a SRV.
esto es algo que pocos pueden decir que han conseguido.
cualquiera de las canciones que escucheis de SRV os adentrara en esa forma de tocar la guitarra.
os sumergira en ese remolino que una vez entras ya no puedes salir.
y lo cual te llevara a querer mas de el.
cosa que ya no es posible debido a su fallecimiento causado por un accidente aereo.
el cielo nos dio uno de los mejores.
y el cielo se lo llevo.
y como dijo su hermano JIMMIE VAUGHAN.
el mundo añora al musico,yo añoro a mi hermano.
pero yo digo que nosotros hemos perdido a un hermano guitarrista.

DISCOGRAFIA:
Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Texas Flood (1983)
01.Love Struck Baby
02.Pride And Joy
03.Texas Flood
04.Tell Me
05.Testify
06.Rude Mood
07.Mary Had A Little Lamb
08.Dirty Pool
09.I'm Cryin'
10.Lenny

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Couldn't Stand The Weather (1984)
01.Scuttle Buttin'
02.Couldn't Stand The Weather
03.The Things (That) I Used To Do
04.Voodoo Chile (Slight Return)
05.Cold Shot
06.Tin Pan Alley
07.Honey Bee
08.Stang's Swang

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Soul To Soul (1985)
01.Say What!
02.Lookin' Out The Window
03.Look At Little Sister
04.Ain't Gone 'n' Give Up On Love
05.Gone Home
06.Change It
07.You'll Be Mine
08.Empty Arms
09.Come On (Part III)
10.Life Without You

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Live Alive (1986)
01.Say What!
02.Ain't Gone 'n' Give Up On Love
03.Pride And Joy
04.Mary Had A Little Lamb
05.Superstition
06.I'm Leaving You (Commit A Crime)
07.Cold Shot
08.Willie The Wimp
09.Look At Little Sister
10.Texas Flood
11.Voodoo Chile (Slight Return)
12.Love Struck Baby
13.Change It

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
In Step (1989)
01.The House Is Rockin'
02.Crossfire
03.Tightrope
04.Let Me Love You Baby
05.Leave My Girl Alone
06.Travis Walk
07.Wall Of Denial
08.Scratch-n-Sniff
09.Love Me Darlin'
10.Riviera Paradise


The Vaughan Brothers
Family Style (1990)
01.Hard To Be
02.White Boots
03.D/FW
04.Good Texan
05.Hillbillies From Outerspace
06.Long Way From Home
07.Tick Tock
08.Telephone Song
09.Baboom / Mama Said
10.Brothers

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
The Sky Is Crying (1991)
01.Boot Hill
02.The Sky Is Crying
03.Empty Arms
04.Little Wing
05.Wham
06.May I Have A Talk With You
07.Close To You
08.Chitlins Con Carne
09.So Excited
10.Life By The Drop

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
In The Beginning (grav. em 1980) (1992)
01.Opening Announcer/In The Open
02.Slide Thing
03.They Call Me Guitar Hurricane
04.All Your Love I Miss Loving
05.Tin Pan Alley
06.Love Struck Baby
07.Tell Me
08.Shake For Me
09.Live Another Day

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Greatest Hits (1995)
01.Taxman
02.Texas Flood
03.The House Is Rockin'
04.Pride And Joy
05.Tightrope
06.Little Wing
07.Crossfire
08.Change It
09.Cold Shot
10.Couldn't Stand The Weather
11.Life Without You

Stevie Ray Vaughan & Double Trouble
Live At Carnegie Hall (grav. em 1984) (1997)
01.Intro (Ken Dashow/John Hammond)
02.Scuttle Buttin'
03.Testifyin'
04.Love Struck Baby
05.Honey Bee
06.Cold Shot
07.Letter To My Girlfriend
08.Dirty Pool
09.Pride And Joy
10.The Things (That) I Used To Do
11.C.O.D.
12.Iced Over
13.Lenny
14.Rude Mood

ETC.....

[Daniel]

¿Yata?

[mccarty]

ahora si.
ya ta

[jaime río bujía]

[img:1lphgwu0]http://www.guitarristas.org/mkportal/bl ... endrix.jpg[/img:1lphgwu0]

[u:1lphgwu0][b:1lphgwu0]Contexto.[/b:1lphgwu0][/u:1lphgwu0]

La primera pregunta que nos asalta al escuchar este disco es; ¿porqué [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0] fue grabado en directo (recordemos que se trata de material absolutamente nuevo)? Billy Cox, bajista del grupo, lo explica perfectamente en el documental homónimo de la banda; Hendrix era el típico músico que solamente se interesaba por tocar, cuando alguien le pasaba un papel él lo firmaba y listo. Durante una de las giras realizadas con Little Richard firmó un papel con una pequeña compañía que le dio más de un quebradero de cabeza en el futuro. Tras sus tres exitosos discos con "The Experience", dicha compañía vio una gran oportunidad para sacar tajada.
El caso es que "The Experience", tras grabar Electric Ladyland había caído en la apatía; N. Redding había dejado la banda y M. Mitchell había pedido unas vacaciones. Hendrix tomó una decisión que no le iba a gustar nada a su representante M. Jeffery; fundar "Band of Gypsys" y dar un giro de 180º a su carrera. Estaba harto de tocar los mismos temas siempre, así que decidió llamar a dos viejos amigos, B. Cox (bajista) y B. Miles (batería y cantante), para crear algo nuevo.

El hecho de ser un grupo formado por tres negros puede pasar desapercibido hoy, pero no en aquel momento. “The Experience” salía exclusivamente en las cadenas de radio orientadas al público blanco y su música la escuchaban los blancos, con [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0] buscó universalizar más su música. Hendrix afirmó que estaba harto de tocar en directo y no ver entre el público a ningún negro, hispano, etc… De ahí la decisión de contratar a un grupo multirracial para tocar en Woodstock. Este pequeño giro sería el preludio de[i:1lphgwu0] Band of Gypsys[/i:1lphgwu0].
Toda esta coyuntura fue aprovechada por su maganer; se decidió grabar un disco para regalar a la compañía con la que Hendrix había firmado el dichoso contrato y quedar en paz. Jeffery veía [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0] como un paréntesis en la carrera de Hendrix tras el cual debería volver a tocar con “The Experience” y retomar su estilo musical. En ningún momento pareció darle valor comercial al disco. Para acabar cuanto antes se decidió que el album se grabaría en directo, pero con material nuevo, en Filmore East entre el 31 de diciembre de 1969 y el 1 de enero de 1970. De esos dos conciertos se sacarían las mejores tomas y se comercializarían. Posteriormente se vendió el espléndido [i:1lphgwu0]Live at Fillmore East[/i:1lphgwu0] eliminando los temas que salen en el disco [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0].

Para entender el impacto que provocó este grupo hay que tener en cuenta la situación histórica por la que pasaba Estados Unidos; Martin Luther King había sido asesinado en 1968 y Malcom X en 1965, los Panteras Negras y el Black Power estaban en su máximo apogeo… No es de extrañar que una banda de éxito como "Band of Gypsys" fuese adoptada como la esperanza del movimiento de la negritud. El sueño duraría poco, ya que a Jeffery no le gustaba demasiado esa idea y tomó una decisión tajante; despedir a Buddy Miles y hacer renacer a “The Experience” con M. Mitchell como batería y B. Cox como bajista. Hendrix murió en 1970 mientras grababa algunas tomas para su quinto disco; [i:1lphgwu0]The Cry of Love[/i:1lphgwu0].

[u:1lphgwu0][b:1lphgwu0]El disco.[/b:1lphgwu0][/u:1lphgwu0]

El disco nos ofrece un Hendrix absolutamente diferente a los tres anteriores. El Hendrix en vivo normalmente “deja atrás” a sus compañeros de escenario, que se limitan a hacer lo mínimo indispensable para no perderse o, incluso, dejan de tocar y ceden todo el escenario al guitarra solista. En [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0] no ocurre esto. Puede que sea porque Hendrix presta más atención al resto de músicos o quizás porque todos tenían los temas bastante aprendidos como para perderse, pero tanto Billy Cox como Buddy Miles siempre arropan de manera excelente al solista. Además, la presencia de Miles en las voces y en la composición hace que el grupo adquiera un ligero sonido soul que hace más difícil, si cabe, etiquetar el disco.

Las dos primeras canciones parten de un riff cromático muy similar de guitarra, pero son absolutamente diferentes. La primera es [b:1lphgwu0]Who knows[/b:1lphgwu0], que nos ofrece a un gran Miles acompañando en la voz a Hendrix en un tema muy original. La segunda canción es, probablemente, el tema central del disco; [b:1lphgwu0]Machine Gun[/b:1lphgwu0]. Cuando uno la escucha tiene la sensación de que los músicos están improvisando todo el tiempo sobre un par de riffs y una melodía de voz (con una gran letra, por cierto). Tan solo con eso, la banda crea todo un himno antibelicista. Hendrix utiliza los acoples, muteados, etc… de manera genial para crear un ambiente bélico en donde se pueden escuchar llantos, gritos, disparos…
La tercera canción se trata de [b:1lphgwu0]Power to love[/b:1lphgwu0], un tema cargado de energía. Cuando uno llega a esta parte del disco no puede dejar de sorprenderse por la facilidad que tiene Hendrix para crear canciones alrededor de riffs de guitarra sencillos pero pegadizos. La intro en la guitarra de Hendrix y el grito de Miles al principo es un preludio de la energía positiva que desprende esta canción.
A continuación podemos escuchar [b:1lphgwu0]Mensage to love[/b:1lphgwu0] y [b:1lphgwu0]We gotta live together[/b:1lphgwu0], que continúan con la línea marcada por la intro y el final de [b:1lphgwu0]Power to love[/b:1lphgwu0]; mucha energía, muy buen rollito y la presencia de Miles en las voces aportando su saber estar sobre el escenario. Un estupendo cierre para un disco magnífico, inclasificable y, aunque parezca mentira al escucharlo, muy infravalorado. Puro Rock n´Roll.
"Band o f Gypsys" se trata de un grupo perfectamente conjuntando, donde la presencia la aportan Hendrix y Miles controlados, en todo momento, por el genial Billy Cox. Para complementar esta obra maestra es indispensable escuchar el [i:1lphgwu0]Live at Fillmore East[/i:1lphgwu0] donde podemos escuchar versiones inmejorables de clásicos de Hendrix como “Stone Free” o “Hear my train Comin´” y canciones nuevas como la estupenda “Izabella” o “Settepin´ Stone”. [i:1lphgwu0]Band of Gypsys[/i:1lphgwu0] y [i:1lphgwu0]Live at Fillmore East[/i:1lphgwu0] crearon un sonido inovador que se mueve entre el soul, el rock, el blues e, incluso, el jazz y que jamás ha sido retomado por nadie (o eso pienso yo).

[Sergio]

[img:3cc1zd5v]http://www.guitarristas.org/mkportal/gr ... hite-B.jpg[/img:3cc1zd5v]
Album: "Álbum Blanco"
Artista: The Beatles
Año: 1968
Duración: 98 minutos.

Disco 1:
Back In The U.S.S.R. / Dear Prudence / Glass Onion / Ob-La-Di, Ob-La-Da / Wild Honey Pie / The Continuing Story Of Bungalow Bill / While My Guitar Gently Weeps / Happiness Is A Warm Gun / Martha My Dear / I'm So Tired / Blackbird / Piggies / Rocky Racoon / Don't Pass Me By / Why Don't We Do It In The Road? / I Will / Julia .
Disco2:
Birthday / Yer Blues / Mother Nature's Son / Everybody's Got Something To Hide Except Me And My Monkey / Sexy Sadie / Helter Skelter / Long, Long, Long / Revolution 1 / Honey Pie / Savoy Truffle / Cry Baby Cry / Revolution 9 / Good Night .

Aunque sólo sea por haber aportado el magnífico tema [b:3cc1zd5v]While my guitar Gently weeps[/b:3cc1zd5v], compuesta por George Harrison, el "Album Blanco" nombre por el que se conoce comúnmente al único disco doble de The Beatles, merece escribirse con grandes letras en cualquier lista de discos sobre guitarras.

El Album Blanco es el disco de la década de los 60 más vendido de todos los tiempos, con 19.000.000 de copias (de los 10 más vendidos, 6 son de The Beatles, y el 11 también).

Fue publicado en el mes de noviembre de 1968 y fue número 1 a ambos lados del Atlántico. Sin embargo su concepción no es nada comercial. Es un denso y gigantesco disco doble en el que intervinieron muchos músicos, entre los que cabe citar a Eric Clapton, quien grabó el solo del citado tema "While my guitar Gently weeps", y a Joko Ono que si mis informaciones no fallan fue su primera aparición explícita en una grabación de The Beatles. Ni que decir tiene que para entonces las relaciones en el seno de los Four Fab ya se habían deteriorado notablemente, y prueba de ello es la propia portada completamnete blanca porque ya ni siquiera se ponían de acuerdo para su diseño. El Álbum Blanco es un disco anárquico y con una patente falta de cohesión entre sus temas, pero al mismo tiempo maravilloso, revolucionario y por supuesto, antológico. Como anécdota cabe señalar que fue el primer intento de usar una grabadora de 8 pistas, todo un acontecimiento para la época.

En cuanto a su aportación al mundo de la guitarra mucho se ha escrito sobre sus temas. Muchos ven en [b:3cc1zd5v]Helter Skelter [/b:3cc1zd5v]el antecedente más claro del rock duro (con permiso de "You really got me" de The Kinks y de Truth, de Jeff Beck.
Helter Skelter ha sido mil veces versionada. Junto a él, a todos sonará [b:3cc1zd5v]Blackbird[/b:3cc1zd5v], una angelical balada acústica y tema preferido por una legión de aficionados cuando se trata de probar una guitarra acústica en una tienda. Una intimista [b:3cc1zd5v]Julia[/b:3cc1zd5v], que es una pieza guitarrística muy lograda, compuesta por Lennon en memoria de su madre fallecida en un atropello, y éxitos como [b:3cc1zd5v]Back in the USSR[/b:3cc1zd5v] o [b:3cc1zd5v]Revolution[/b:3cc1zd5v], otra de las joyas del disco. Y por supuesto otro tema totalmente guitarrero: [b:3cc1zd5v]Savoy Truffle[/b:3cc1zd5v]

En el álbum blanco destaca por encima de los demás el magnifico tema de Harrison, citado al principio. Harrison continuaba reivindicándose como compositor y lo hizo esta vez tirando de oficio y colocando a su instrumento como el auténtico leit motif del tema. De hecho en mi opinión es el tema más guitarrero de toda su carrera.

Es un disco imprescindible.

[Justinsson]

[img:2q2xfjfv]http://217.126.124.205/AudioKat/recurso ... /02075.jpg[/img:2q2xfjfv]
Joel Bernstein: Photography
Kenneth A. Buttrey: Drums
David Crosby: Guitar, Vocals
Tim Drummond: Bass, Drums
John Harris: Piano
Ben Keith: Guitar, Guitar (Steel), Vocals
Henry Lewy: Producer
The London: Symphony Orchestra Orchestra, Performer
Elliot Mazer: Producer
David Meecham: Conductor
Graham Nash: Vocals
Jack Nitzsche: Guitar, Piano, Arranger, Keyboards, Producer, Slide Guitar
Linda Ronstadt: Vocals
Stephen Stills: Vocals
Stray Gators: Group, Performer
James Taylor: Vocals
Tom Wilkes: Design
Neil Young: Guitar, Harmonica, Composer, Vocals, Producer


1- Out of the weekend
2- Harvest
3- A man needs a maid
4- Heart of gold
5- Are you ready for the country ?
6- Old man
7- There’s a world
8- Alabama
9- The needle and the damage done
10- Words ( Between the lines of age)


Tras su paso por Buffalo Springfield , sus escarceos con Crosby , Stills & Nash y su magnífico trabajo en “ After the Gold Rush” , Neil Young llega al gran público con Harvest , editado en 1972..

Quizás , sean sus composiciones más comerciales , pero sin ninguna duda , son de una calidad excepcional , haciendo dotes de un gusto exquisito tocando la guitarra acústica , poniendo lo mejor de sí mismo en su interpretación vocal y sabiéndose rodear de los músicos , productor y arreglista idóneos para la ocasión.

La labor de Jack Nitzsche ( amigo íntimo de Young) como músico y arreglista es fundamental .
Pero la producción , llevada acabo por él mismo, es sin ninguna duda la clave del disco , consiguiendo un sonido espectacular , que partir de ahí , se convertirá en un referente para el Neil Young acústico.

Las aportaciones de sus compañeros Stills , Crosby y Nash , así como Linda Ronstadt y James Taylor haciendo los coros , logran un ambiente de sonoridad e intimismo inigualable .
La labor de la London Simphony Orchestra en algunos temas da grandiosidad al conjunto.

El disco , comienza con un tema de aperitivo Out of the weekend, una canción de amor , que te prepara para los platos fuertes del resto del menú.

El tema Harvest ( cosecha) que da título al Album , nos habla del conflictos generacionales y de los sueños que veces tienen que venir acompañados de actuaciones de terceros para que se cumplan. Young desgrana los versos con verdadera pasión , mientras se acompaña de una melodía sencilla de guitarra pero realmente dulce.

A man needs a maid, tras una preciosa intro , se sumerge en un crescendo continuo .Siempre llega un momento que un hombre se plantea la necesidad de estar con una mujer. El tema es brillante

Heart of gold es una sencilla canción de guitarra , voz y armónica. Fue el tema que más éxito comercial alcanzó.
Todo un clásico

Are you ready for the country. Una canción machacona con toques countries , que resulta un poco tediosa. Sin duda el peor tema del album.

Old man , una delicia .Un joven de veinticuatro muestra sus similitudes con un hombre viejo y el camino adonde le conduce la vida .
La guitarra contundente de Young acompaña a una voz melosa en su más puro estilo , que nos recuerda su anterior trabajo ( Alfer the gold rush) .

There´s a World es un tema un poco pretencioso , muy sonoro , pero quizá ligeramente fuera de lugar .

Alabama , es un claro alegato antirracista , el clima de tensión se respira durante todo el tema , la fuerza es sorprendente y las guitarras eléctricas hacen incluso más destacable este punto. Una joya de canción . ( Posteriormente los Lynird Skynird satirizaron en cierta medida " [color=red:2q2xfjfv]Ejemmm , Ejemmm ... coff, coff....[/color:2q2xfjfv] "Southern Man" con el Sweet Home Alabama)

A needle and the damage done , grabado en directo en UCLA , revela claramente la preocupación de Nel Young ( que nunca le abandonó) por la muerte de varios amigos a causa del consumo heroína . El “finger picking” de guitarra con el que Young interpreta todo el tema , es extraordinario a pesar de su sencillez.

Con Words , termina el album . A pesar de ser una de las canciones menos conocidas de Young , éste , canta de un modo sensacional complementándo perfectamente los finales de cada verso con la grandiosidad de la London Simphony

Para mí , es sin duda , un disco imprescindible , marcó toda una época y a muchos nos sirvió para empezar a tocar aquellas canciones sencillas pero cargadas de sentimiento y buen hacer.

Una obra maestra.

[Ignacio]

[img:1qh24ka5]http://img110.imageshack.us/img110/9777/jimhall8yr.png[/img:1qh24ka5]

Se me plantea –me digo- el difícil reto de elegir y evaluar, por una parte, un trabajo de un gran guitarrista que haya representado un hito en la historia de la música contemporánea (digo contemporánea refiriéndome a los guitarristas grabados, porque de los anteriores a la aparición de la industria discográfica, no nos ha quedado constancia, por desgracia, de su arte.). Por otra parte tampoco quiero recurrir a los trabajos que todos tenemos en la memoria y que son, de alguna manera, referencias incuestionables dentro de la música rock. Sería demasiado fácil. Me planteo –como decía al principio- el reto de elegir a un intérprete que está fuera de la órbita de lo que aquí se pretende, dentro de un estilo minoritario como es el jazz. Los 3.000 € del premio bien merecen el esfuerzo.

A esta conclusión he llegado después de revisar concienzudamente mi discografía de rock, donde están, esperando ansiosamente a que los desempolve, discos emblemáticos que son verdaderas leyendas y de los cuales ya se ha hablado largo y tendido en multitud de ocasiones.

Por ello y después de mucho pensar y sopesar cuál sería el objeto de mi análisis y elucubraciones, he encontrado el trabajo idóneo. En el fondo –me digo- sabía perfectamente y en todo momento que este sería el elegido: Jim Hall. Concierto.

Se trata de un disco del sello CTI, grabado en los estudios RVG, de New Jersey, en abril de 1979.

Músicos: Jim Hall (guitarra); Chet Baker (trompeta); Paul Desmond (saxo alto); Roland Hanna (piano); Ron Carter (contrabajo) y Steve Gadd (batería).

Cara A: 1. You’d be so nice to come home to. 2. Two’s blues. 3. The answer is yes
Cara B: Concierto de Aranjuez.

Empieza la cara B –el concierto de Aranjuez, que ocupa su totalidad- con una disección del motivo principal y de sus distintas partes por los músicos intervinientes. Jim Hall abre con la introducción en el tema principal. Le sigue Chet Baker, que lo retoma. Las intervenciones y diálogos se suceden alternativamente entre los músicos hasta que Jim Hall modula para canalizar el tema hacia el ritmo característico que no se abandonará ya en los casi veinte minutos que dura la obra.

Mientras Carter, Hanna y Gadd marcan el ritmo, las intervenciones de Hall, Desmond y Baker van desgranando y exprimiendo la obra hasta dejarla completamente desnuda. Me pregunto qué habrá pensado el maestro Rodrígo si alguna vez tuvo la oportunidad de escuchar esta joya plena de lirismo, sensibilidad y sentimientos. El nivel de los músicos en estos intercambios es altísimo, pero me llaman poderosamente la atención las intervenciones de Chet Baker, que en cierto sentido nos dejan entrever, por su profundidad emotiva y como si de un cristal transparente se tratase, lo difícil y tortuosa que fue su existencia. Hall está inconmensurable, superándose en cada grabación hasta el punto de no saber dónde está el techo de este estupendo instrumentista.

Melodiosa, profunda y delicada es la intervención de Roland Hanna, al más puro estilo clásico y plena de romanticismo. A la altura de sus compañeros de grabación.

De la cara A decir que está en un gran nivel y en la misma línea aunque, le faltan esa emoción y ese interés propias de una gran obra.

Cinco leyendas del jazz reunidas en este estupendo, emotivo e irrepetible trabajo.

Gracias, señores, -me digo- por este estupendo legado. Gracias, sr. Hall por haber reunido en esta grandiosa obra a un plantel de músicos dignos del más grande de los reconocimientos. Si de mí dependiera sustituiría las cabezas de los presidentes Washington, Jefferson, Roosvelt y Lincoln, esculpidas en las Montañas Negras del monte Rushmore (Dakota del Sur) por sus venerables efigies.

[Khelben]

[url=http://guitarristas.org/khelben/index.p ... /:3t519sps][size=150:3t519sps][b:3t519sps]Bluesbreakers con Eric Clapton[/b:3t519sps][/size:3t519sps][/url:3t519sps]

Nos adentramos en un disco que, si bien suele ser conocido en la comunidad guitarrística, creo que no tiene tanta fama en otros ámbitos. Igual porque es un disco de blues, que es el estilo que sienta las bases del rock, pero que no es tan comercial.

Es conocido también como el album “Beano”, ya que se ve en la portada a Clapton leyendo un cómic de este personaje.

Este es el disco que puso en primerísimo plano a un joven Eric Clapton, provocando incluso las famosas pinadas de “Clapton is god” por las calles de Londres y que sentó las bases para lo que sería el sonido del rock posterior, empezando por todo lo que inmediatamente después hizo Clapton en Cream. Y lo entiendo perfectamente.


Yo llegué a este disco a través de la literatura especializada en guitarras, en los que este disco siempre aparecía como un hito importante en la carrera de Clapton, y de la guitarra eléctrica en general. Así que me planté en una tienda, lo busqué, pagué la nada despreciable cifra de 24 € por él (otro día hablaremos del precio de los discos y porqué los más caros suelen ser los más antiguos) y me lo puse en el reproductor de CDs de casa nada más llegar.

Y es un disco de los que pega duro nada más empezar. El comienzo de “All your love”, con ese sonido agresivo, rudo y distorsionado, abriendo el disco, es de los que, si en ese momento no supiese tocar la guitarra eléctrica, me habría hecho querer aprender a tocar. Ese sonido, de blues “con esteroides”, conseguido de utilizar un equipo inusual en ese momento (una Les Paul, guitarra que se había dejado de producir por no venderse, junto con un amplificador Marshall a toda pastilla, más abajo hablamos del equipo) de una manera totalmente inesperada, llega como un latigazo. Incluso hoy, después de tantos años, a mí al menos me llegó con una fuerza que ha pasado con pocos discos. No me quiero ni imaginar lo que debió ser en el ’66, año en que se editó el disco. Claro, a día de hoy no podemos escucharlo con los mismos oídos, pero todavía, al menos a mí, me resulta sorprendente su fuerza.


El disco en sí es en gran parte una interpretación de clásicos Standard del blues
de grandes del género como Freddie King (“Hideaway”), Robert Johnson (“Ramblin’ on my mind”),Otis Rush (“All your love”) o Ray Charles (“What’d I say”) junto con canciones del propio John Mayall. Curiosamente, casi todos estos clásicos, exceptuando la versión de Robert Johnson, no tenían tanto tiempo como parece, sino que habían sido compuestos unos diez años antes. Sin embargo, está empapado de una energía y agresividad que no se encuentra en las versiones originales, más cadenciosas. En casi todos los temas destaca sobremanera la interpretación a la guitarra de Clapton, que hace suyo el disco con una personalidad desbordante, aunque no es una interpretación tipo trío de guitarra, bajo y batería. Está muy presente el piano, el órgano, la armónica e incluso, en algunos temas, como “Key to love” se le añade una sección de viento que le da un ligero aire soul.

No todo el disco es rápido, sin embargo, hay tiempo para blues más lentos como “Ramblin’ on my mind”, que canta el propio Clapton (dejando constancia por primera vez de su voz cantando); o “Double crossing time”

A pesar de todo esto, me veo obligado a destacar que, dentro de toda esta maravilla, hay un detalle que a mí particularmente me resulta totalmente insoportable, y es el solo de batería que se marca Hughie Flint en mitad de “What‘d I say” de un par de minutos. Y justo después vuelve Clapton metiendo el riff de “Day tripper” por sorpresa (agradabilísima sorpresa, por cierto). Supongo que es estilo “sorpresa” porque, al estar esta canción al final de la cara A del vinilo, al menos yo no la aguantaría entera Smiley


Respecto al equipo utilizado, creo que es importante resaltarlo, principalmente por la importancia que tuvo en el sonido del rock posterior y cómo consiguió revitalizar a la Les Paul, pasando de ser un modelo obsoleto al modelo más codiciado.

Creo que una de las razones por las que este equipo en particular tuvo tanta repercusión es porque era fácil saber cual era. Estaba bien claro en las fotos incluidas en el disco (que podeis ver en este artículo, ya podía ser tan sencillo en todos los casos saber el equipo utilizado Smiley) . Se podía ver claramente la Les Paul en cherry sunburst y el amplificador Marshall (un JTM 45 en formato combo) que se había utilizado. Esta combinación, junto con el hecho de tocarlo a altos volúmenes, encontró “química” y da lugar a un sonido cremoso, altamente distorsionado, con gran sustain, pero a la vez mucha elegancia, que ha sido uno de los sonidos más imitados o buscados de la historia y es la base todo lo que se conoce como rock clásico.

Lo más curioso del asunto es que Clapton compró esa guitarra porque vio una portada de un disco a Freddie King (que siempre ha sido una fuerte influencia) con una Les Paul goldtop, que ni siquiera tenía las mismas pastillas, sino unas P-90. Lamentablemente, esa guitarra en particular le fue robada a Clapton mientras estaba de gira con Cream muy poco después, el 29 de Julio del ’66. A pesar de haber utilizado otras Les Paul similares, parece que Clapton no ha encontrado nunca una que suene tan bien como esta, aunque el factor “misticismo” puede que juegue un papel importante, nunca lo sabremos.

PD: Lo he publicado en el blog (enlace arriba) ya llí vereis las imágenes, al no poder ponerle un tamaño a las imágenes, he preferido quitarlas.

[Tupac]

[b:3i8x8ude][i:3i8x8ude][color=green:3i8x8ude]Texas Flood - Stevie Ray Vaughan and Double Trouble[/color:3i8x8ude][/i:3i8x8ude][/b:3i8x8ude]

[img:3i8x8ude]http://bluestormmusic.com/store/images/ ... anddo1.jpg[/img:3i8x8ude]



Cuando pensamos en Stevie Ray Vaughan no es casualidad, creo, que vengan a nuestra mente esas intros distintivas, esos riffs machacantes y rítmicos y esos solos memorables de Texas Flood. Tampoco es casualidad que éste sea su album debut.

La historia del ascenso de Vaughan al estrellato es bastante conocida. Amante de la música y de la guitarra desde niño, siempre bajo la influencia de su también notable hermano mayor Jimmie Vaughan, desde muy joven logró hacerse de un lugar destacado dentro de la escena musical de Austin, Texas, en donde rodó una y otra vez por sus pubs y clubes nocturnos, primero formando parte de distintos grupos locales, y luego ya como líder del suyo propio, un power trio denominado autorreferencialmente Stevie Ray Vaughan and Double Trouble, en el que estaba acompañado por Chris Layton en batería y Tommy Shannon en bajo.

Para tener una percepción clara de Vaughan como artista y guitarrista, es necesario adentrarnos en algunas circunstancias previas a la salida de este album debut, editado en 1983. Es inevitable mencionar el concierto que diera en 1982 en el Montreux Jazz Festival en donde, dicho sea de paso, el grueso del público no lo acompañó. Por suerte sí lo supieron apreciar sus colegas David Bowie y Jackson Brown. Como costumbre a lo largo de su ecléctica carrera, el Duque Blanco demostró por entonces que supo, y sabe, rodearse de los músicos más talentosos que pueda conseguir, dejándolos con una libertad creativa que mejora su propia propuesta a la vez que les permite destacar como interpretes. Esto mismo sucedió con la grabación del album titulado ¨Let's dance¨. Fue un éxito de Bowie y un éxito para Vaughan. Brown, por su parte, supo reconocer en Vaughan a un artista que por su calidad musical merecía la oportunidad de ser escuchado, teniendo para con él el dignísimo gesto de cederle gratuitamente las horas de estudio necesarias para que pudiera grabar su album debut.

Para completar el panorama corresponde ubicar a Vaughan en el tiempo y el espacio desde donde se hizo un artista masivo. Estamos hablando de 1983, cuando la camada Punk original estaba dando sus últimos coletazos, y la dirección que estaban tomando los nuevos guitar heroes era la del virtuosismo técnico y veloz del hard rock y del heavy metal. Desde ya que Stevie era eso y más, pero tocaba blues.

En su album debut, llamado Texas Flood en reconocimiento al blusero Larry Davies, autor de la canción del mismo nombre, Vaughan y su grupo logran plasmar la experiencia obtenida a lo largo de una década como interpretes de un blues eléctrico, heredero directo del surgido en Chicago a partir de los 40. Sin embargo, lo que también hace Vaughan es, literalmente, barajar y dar de nuevo dentro de la escena blues. Habiendo tomando lo mejor de sus guitarristas amados, habiéndolo procesarlo, sintetizarlo, y luego modernizarlo, le imprimió a su estilo de blues su propio sello personal, sonando a la vez clásico y moderno, resaltando concientemente su reconocimiento y admiración por los totems del género, pero sin olvidarse de crear y buscar dar un paso más allá, dotando a sus canciones de una entidad con peso propio.

Todos los que en algún momento intentamos experimentar el hecho de crear, sabemos lo difícil que esto resulta, fundamentalmente por la complejidad que implica el recorrer nuestro propio camino sin dejar, a la vez, de transitar aquellos otros que han recorrido -o aun recorren- quienes son nuestros referentes y pares. Por ello resulta fundamental Texas Flood. En todo el disco escuchamos a Stevie Ray Vaughan, siempre es él, aun en los giros y fraseos en los que reconocemos a Jimmi Hendrix, a Buddy Guy, a Otis Rush, a Albert King o a Freddie King. Es notable como logra hacer con Rude Mood su propia versión del Hideaway de Freddie King, el primer Texas Tornado, sin que por ello lo suyo nos suene a plagio, o como en su exploración de Hendrix en Testify logra mantener su propio carácter y espontaneidad. Y al igual que su amado Hendrix, Stevie Ray Vaughan demuestra la virtud de poder tocar la guitarra como si se tratara de un apéndice de su cuerpo, de su voz, mediante furiosos riffs, shuffles rítmicos y percusivos de patrones simples pero de ejecución compleja, de solos desbocados, como en Testify, crudos y asperos, como en Texas Flood, y de solos apacibles, jazzeados, como en Lenny. Siempre, con un ritmo y soltura envidiables.

En este album, que sirvió tanto para lanzarlo a la fama como para revitalizar el blues como género y reposicionarlo dentro de la escena musical estadounidense, Stevie nos demuestra que es poseedor de una maduración estilística notable, muy difícil de alcanzar aun por guitarristas más veteranos. Lo mejor del asunto es que aun le quedaban siete años y cinco albumes para reafirmarlo.

[raphaello]

[b:35lh6jtj][size=150:35lh6jtj]Berry is on Top[/size:35lh6jtj][/b:35lh6jtj]

En general, los artistas de rock de los 50 y primeros 60 no deben ser juzgados por la calidad de sus LPs. Eran los singles los que concentraban el material de mayor calidad, mientras que los LPs en su mayoría se componían a partir de algún single completando el album con material “de relleno”.

El disco que me propongo comentar por el contrario se puede considerar casi un “grandes éxitos” ya que incluye la mayoría de los singles que Chuck Berry editó en 1958, junto con un tema inédito y 2 singles anteriores a 1958. El disco vió la luz en Julio de 1959, cuatro años después del comienzo de la carrera discográfica de Chuck Berry, con Chess Records. La (impresionante) lista de canciones incluidas es la siguiente:

1. Almost Grown – 2. Carol – 3. Maybellene – 4. Sweet Little Rock’n’Roller – 5. Anthony Boy – 6. Johnny B. Goode – 7. Little Queenie – 8. Jo Jo Gunne – 9. Roll over Beethoven – 10. Around and around – 11. Hey Pedro – 12. Blues for Hawaiians

Es habitual menospreciar la figura de Chuck Berry acusándole de repetir los mismos elementos en sus canciones una y otra vez. Esta repetición de motivos y recursos en su música es innegable. No hay más que ver que cinco canciones del disco cuentan con una intro de guitarra que empieza con un lick de pocas notas ...¡¡exacto en todas ellas!!. Lo que muchos parecen olvidar es la efectividad de esas limitadas aportaciones, suficientes para impregnar el estilo de generaciones venideras. Y lo que es más destacable aún es la capacidad de Berry para realizar un elevado número de composiciones claramente distintas entre ellas con una paleta de recursos tan limitada.

Otra crítica habitual a la música de Chuck Berry es que sus canciones fueron mejor ejecutadas por sus discípulos que por el mismo. A la vista del contenido de Berry is on Top se puede asegurar que la versión definitiva de Carol la hicieron los Stones y la de Roll Over Beethoven los Beatles. En muchas de esas versiones se descubren matices que quedan soterrados en los originales de Berry. Esta inmadurez en la producción se ve compensada por la calidad de sus composiciones y su inconfundible estilo de guitarra . La excepción más notable la encontramos en Johnny B. Goode que curiosamente ni los Stones ni los Beatles se atrevieron a versionar probablemente conscientes de la dificultad para superarla.

Entrando en un análisis más pormenorizado en el disco en cuestión, Carol, Maybellene, Johnny B. Goode y Roll over Beethoven constituyen auténticos exponentes del estilo de rock directo, “sin tonterías”, propio de Chuck Berry, mezcla de jump blues, country y swing. La influencia country es evidente en Maybellene, pero la guitarra distorsionada y su solo frenético y agresivo deben de haber pillado en su día a más de un hillbilly fuera de juego. Las otras tres son un claro ejemplo de que repitiendo elementos Berry es capaz de crear tres canciones diferentes, que uno puede recordar claramente en su memoria. En todas ellas, Berry se nos presenta como el primer “guitar hero” del rock. La guitarra fluye por todas ellas. En Carol incluso toma el relevo de la línea vocal en modo de respuestas a cada verso, tal y como ya había hecho Berry en canciones previas como School Day.

Sweet Little Rock’n’Roller y Little Queenie nos muestran a un Berry más tranquilo que nos deja respirar, que también sabe rasguear, pero manteniendo el pulso del rock’n’roll. Around and around se basa en patrones de arranque/parada propios del blues con una huida hacia adelante en el estribillo anticipada por la celérica frase de guitarra con la que comienza el tema.

El resto de canciones se pueden considerar ensayos de Berry por apartarse de su estilo más reconocido (y reconocible). De ellas, Almost Grown es el más exitoso con una melodía machacona, ausencia de estribillo (sustituido por sendos solos de piano y guitarra) y unos coros bordeando la ridiculez. Sin embargo todo funciona en gran medida gracias a una letra que nos presenta a un inocente chico de los 50 al que se le pueden adivinar unas ganas tremendas de dejar de ser tan bueno. Y es que por encima de algunas canciones mediocres, no se puede dejar de mencionar el estilo narrativo de Berry que inunda la mayoría de los temas con unas letras que constituyen una galería de la imaginería del rock.

Definitvamente se puede considerar Berry is on Top como el mejor álbum original de Chuck Berry. El valor histórico del disco es innegable pues es de suponer que este disco fuera el medio de introducción a la música de Chuck Berry para muchos de los jóvenes músicos británicos que a principios de los 60 reinvidicaron a éste como una gran influencia. Pero el disco funciona no ya sólo como influencia sino como media hora de rock’n’roll en estado puro.


P.D: He intentando meter una imagen con la portada pero me ha resultado imposible. Soy así de torpe

P.D2: No había leido lo del límite de caracteres. Lo he editado conforme a las bases, no vaya a ser que alguno impugne

[Nigrochoco]

[img:3t6cctil]http://images.amazon.com/images/P/B0000 ... ZZZZZZ.jpg[/img:3t6cctil]

[b:3t6cctil][color=darkred:3t6cctil][size=150:3t6cctil]BLACK SABBATH – MASTER OF REALITY[/size:3t6cctil][/color:3t6cctil][/b:3t6cctil]

Ozzy Osbourne – Voz
Tony Iommi – Guitarras
Geezer Butler – Bajo
Bill Ward - Batería

1971, a estas alturas [b:3t6cctil]Black Sabbath[/b:3t6cctil] ya habían sacado dos discos, su primero y homónimo donde asustaron a todos con su primer tema, uno de los riffs más oscuros y penetrantes de la historia y Paranoid, de gran éxito. En estos dos discos se ven los elementos de una música propia, pesada y basada en riffs por quintas, pero esto se plasma totalmente al llegar Master of Reality.

Una tos repetida de Iommi al atragantarse con un canuto da inicio a este tercer disco de la banda de Birmingham, con ocho temas perfectamente seleccionados y 34 minutos. Aquí no hay ningún tema de relleno.

El sonido sorprende por la contundencia que desprende, fruto de la experimentación en el estudio con diferentes afinaciones, calibres de cuerdas, muchas pistas de guitarra, para dar con el sonido más satisfactorio. También es destacable el sonido de Butler con algo de saturación y que llevará al sonido de muchos bajistas modernos.

Esa tos da inicio al primer tema [b:3t6cctil]Sweet Leaf [/b:3t6cctil]que comienza con su riff principal en La. Este riff junto a otro de estribillo sirven para darnos toda la canción y no cambiará hasta el solo, en este disco manda la simplicidad y la efectividad. El solo de Iommi, como siempre es sencillo, con una parte doblada, también es de destacar el trabajo del bajo con sus adornos en esta parte. De la letra cabe destacar las alusiones hacia la Marihuana que sería esa Sweet Leaf (recordemos el inicio).

El disco continua con [b:3t6cctil]After Forever[/b:3t6cctil], con letra de Iommi defendiendo su condición cristiana, una letra ciertamente provocadora. El riff principal es un gran ejemplo de una instrumentación efectiva compartiendo el bajo y la guitarra el protagonismo dando lugar a un riff genial en que se cruzan los dos instrumentos. Los riffs de estrofa son grandes ejemplos de riffs por quintas.

Ahora llega una de las piezas cortas instrumentales de Tony Iommi, esta primera es [b:3t6cctil]Embryo[/b:3t6cctil] que nos sirve como genial introducción al memorable [b:3t6cctil]Children of the Grave[/b:3t6cctil] con un riff acompañado de una batería bastante peculiar que le da mucha personalidad al tema. La letra es sin duda una de las mejores de Ozzy, clamando en contra de la manipulación, la guerra nuclear y a favor de la paz y el amor, muy con su época. A mitad del tema viene uno de los mejores riffs de la historia de la banda muy oscuro y muy pesado. El solo tiene otra vez una gran segunda voz como suele ocurrir en este disco.

Ahora le toca el turno a la otra instrumental [b:3t6cctil]Orchid[/b:3t6cctil], de una delicadeza sublime y muy evocadora, siendo al fin y al cabo solo unos arpegios acompañados por un bajo.

Otro oscuro riff nos introduce en el siguiente tema, [b:3t6cctil]Lord of This World[/b:3t6cctil], con una estrofa muy característica de la banda con un pesado riff por quintas. El solo acaba otra vez con dos voces y nos lleva a lo que podría ser un estribillo “Lord of this world, Evil Possessor...” absolutamente apocalíptico. Al final tenemos un nuevo solo doblado de Iommi y un trabajo posterior del bajo otra vez con unos adornos geniales.

El siguiente tema es una preciosa balada en ¾,[b:3t6cctil] Solitude[/b:3t6cctil], con una línea de bajo que es la que manda en el tema y diferentes arpegios, acordes y melodías de Iommi. Otra vez la instrumentación es pieza clave, una buena mezcla y la inclusión de vientos que le añaden una nueva dimensión al tema. Cabe destacar lo completo que suena sin una batería, solo con unas delicadas sonajas de fondo, gracias en parte al genial sentido del ritmo de Butler. Una canción en la que muchas bandas de rock quedarían desnudas Black Sabbath demuestran lo grandes músicos que son y Ozzy demuestra como su voz puede adaptarse y ser dulce en contra de lo que muchos detractores opinan, sin duda sin mucho conocimiento de su obra.

Y como colofón final a un disco sencillamente perfecto llega [b:3t6cctil]Into the Void[/b:3t6cctil], con un riff de inicio oscuro y pesado con un sonido muy contundente. Un cambio de ritmo lleva al riff de estrofa, con una letra otra vez clamando por la paz, en contra de la guerra espacial y contra la contaminación (Sí, soy un poco hippie ). En este tema encontramos cambios de ritmo, como el de la estrofa de “Freedom fighters...” que más tarde adoptarían para ellos muchos grupos de la Bay Area, declarados fans de Sabbath. El solo totalmente en el estilo de Iommi otra vez, con una última parte con un discreto doblaje, mucho más bajo que los demás.

Sin duda este disco es el exponente más claro de esta faceta de Black Sabbath y por eso lo he escogido, aquí desarrollan totalmente su personalidad y hacen una obra maestra de grandes riffs atonales y experimentación con afinaciones bajadas que influirán enormemente en todo el Heavy Metal, sobre todo en EEUU a través de la [b:3t6cctil]Bay Area[/b:3t6cctil], en [b:3t6cctil]Metallica[/b:3t6cctil], más adelante con [b:3t6cctil]Pantera [/b:3t6cctil]y con muchos grupos de Metal que deben gran parte de su música a Sabbath.

Este disco sin duda enseñó al mundo lo que era en esencia un riff de guitarra [b:3t6cctil]Heavy Metal[/b:3t6cctil]

[Barry Gibb]

[img:1lrlqunl]http://www.passionsjustlikemine.com/ima ... ths-lp.jpg[/img:1lrlqunl]

[b:1lrlqunl]The Smiths (The Smiths album debut)[/b:1lrlqunl] (febrero 1984)
[b:1lrlqunl]voz: Morrissey
guitarras: Johnny Marr
Bajo: Andy Rourke
Bateria: Mike Joyce

Productor: John Porter
[/b:1lrlqunl]
En una Inglaterra tatcheriana dominada por el tecno-pop y los Nuevos Románticos surgen The Smiths, un grupo de Manchester dispuestos a reivindicar el pop de guitarras mezclado con la mas emocionante poesia urbana.

El grupo giraba en torno al dúo Morrissey (un antiguo fan de los New york Dolls y poeta aficionado que será el letrista y el cantante ) y Johnny Marr, el compositor de la musica y que pronto se reveló a pesar de su juventud (21 años) como un guitarrista seguidor de la tradición pero al mismo tiempo revolucionario en el concepto y tratamiento de los arreglos.

Johnny Marr había aprendido los primeros acordes a los 12 años. Era un fiel seguidor de T.Rex, Neil Young, Bo Didley, George Harrison y de la nueva ola neoyorkina (Patti Smith, Television, Talkin Heads). A todo esto sumaba una devocion por el guitarrista de Chic, Nile Rogers y por determinados guitarristas del folk britanico.

Despues de formar parte de un par de combos punks y recibir algunos lecciones de Billy Duffy, futuro guitarrista de The Cult, decide ir al encuentro de un extraño personaje del que le habian hablado y que vivía encerrado en su casa escribiendo poemas y viendo peliculas antiguas. Desde este primer encuentro Marr y Morrissey acuerdan quedar para componer canciones para otros artistas al modo de unos Leiber-Stoller modernos, pero Johnny viendo los progresos de Morrissey como cantante le anima a formar juntos una banda. Para ello eligieron el nombre mas vulgar, realista y sencillo que se les ocurrió: The Smiths que era como decir Los Pérez o Los García en España.

El siguiente paso eran conseguir una sección rítmica competente. Para el puesto de bajista Johnny pensó en un antiguo amigo de Manchester, Andy Rourke que ya habia militado en alguna de las bandas de adolescencia de Johnny. Andy se revelará como un bajista muy elegante, capaz de pulsar un energico tema funkero (The headmaster ritual) o también de adornar la cancion con contramelodias al mas puro estilo maccartniano como es el caso de "Heaven Knows im miserable now".


Para el puesto de bateria pensaron en el miembro de un oscuro grupo punk de Manchester: Mike Joyce, capaz tambien de tocar la percusión desde lo mas enérgico hasta lo mas comedido.

A finales de 1983 lanzan lo que será su primer single "Hand in glove", un tema basado en los arpergios de acorde mayores do y re, remarcada habilmente por una serie de breaks sincopados de bateria-bajo-guitarra, adornada además con una intro de armónica (cortesia de Johnny Marr). La melodia vocal es de una tristeza infinta y habla de un amor único e imposible: " No, este amor no es un amor cualquiera... este es distinto"

En la cara B de este single una cancion con un gran riff guitarrero con una pizca de distorsión:" Handsome devil". Una canción que será polémica por su letra.

A partir de aqui The Smiths seguiran una politica que ya habian ensayado The Beatles y Stones en los 60. Los singles y los Lps tendran vida independiente y rara vez los singles seran publicados en los discos grandes.

Otra novedad seran las portadas de todos los singles y lps diseñadas por Morrissey y con fotografias en blanco y negro de alguna rara pelicula antigua y convenientemente viradas hacia algun color. En el caso de este primer disco hacia un rosa fuerte, que junto al torso desnudo del actor Joe D'Alessandro en seguida llaman la atención.

El segundo single de The Smiths si que causará un gran impacto, no solo en Inglaterra sino en toda Europa: "This Charmin man" con su impresionante intro de guitarra ritmica entrecortada y reminiscente del afrobeat. A todo esto le sigue un bajo funky que lleva el peso de la canción mientra Johnny Marr va llenando la cancion de arpegios y mas arpegios ultramelódicos y cristalinos con su Rickenbaker 330 jetglo. Morrissey mientras tanto canta una arrebatadora melodía de corte meláncolico.
Recuerdo cuando lo escuché por primera vez en Radio 3. Solo daban ganas de salir corriendo a la tienda de discos mas cercana y hacerse con el disco. No sé si han experimentado esa sensación... "This Charmin man" no salió en el disco original pero si lo hará posteriormente en las ultimas reediciones del cd.

El disco The Smiths naturalmente fué uno de los discos mas importantes del año 84, pero su valor real radica en la influencia que ejerció en generaciones de guitarristas posteriores. Noel Gallagher cuenta el impacto que le supuso cuando vió en la tv a un jovencisimo Johnny Marr con su corte de pelo a lo Brian Jones y su Gibson 335 roja con bigsby. Ese dia Noel decidió que queria ser guitarrista de rock.
Importantes guitarristas actuales como Bernard Butler o Colin Greenwood de Radiohead lo citan entre sus principales influencias.
Este aspecto visual tambien es de destacar en las apariciones publicas de The Smiths. Johnny Marr siempre aparecerá en los conciertos o videos con guitarras "clásicas": Telecasters con bigsby, diversas Grescht, Les Pauls, Rickenbackers, Stratos. Reivindica el valor de las guitarras antiguas no solo como productoras de sonido sino como iconos visuales del rock.

Otra curiosidad en el estilo guitarristico de Johnny Marr es la ausencia de solos. Su originalidad radica en las texturas que crea con las guitarras rítmicas, las afinaciones alternativas y el uso de sencillos motivos melodicos mediante el arpegio. Para Johnny la guitarra siempre esta al servicio de la canción. Con mucha razón la revista americana Guitar Player le calificó años mas tarde de guitarrista anti-héroe. (en el ultimo disco de estudio de The Smiths, Johnny se permitió un solo en el tema "Paint a vulgar picture"). Johnny Marr demuestra además ser un gran armonicista, un mas que competente pianista y un magnífico arreglista de cuerdas en los posteriores discos de The Smiths.

El disco comienza con "Real around the fountain": Ritmo de balada y preciosa melodia vocal, adornada por los arpegios limpios de las guitarras y un cautivador piano a cargo de un entonces desconocido Paul Carrack. Johnny comentaba en sus primeras entrevistas que aprendió a orquestar las canciones tratando de emular con la guitarra los metales en los viejos discos de los Four Tops y The Temptations.
"Real around the fountain" parece a primera vista una canción convencional de cuatro acordes: LaM-MiM-ReM-Fa#m, pero la canción tiene truco: Johnny habilmente le coloca una cejilla en el 2º traste a la guitarra, transformandose la tónica ahora en SolM, con lo cual la posibilidad de adornar los arpegios se amplifica y eso lo saben de memoria los musicos de country.

"You everything now" es un corte de tintes funkys con una melodia rabiosa de Morrissey. Lo mejor de este tema sucede en el estribillo: De los rasgeos de guitarra se pasa a una serie de intrincados arpegios que le dan a la cancion la originalidad que le faltaba a las estrofas. De nuevo los acordes son transportados a fa#.

"Miserable lie" comienza con unos acordes bastante sencillos para cambiar a mitad de la cancion el espiritu de la misma, merced a unos ritmos psicobillies, habilmentes remarcados por el contundente ritmo del bajo-batería.

"Still ill" es una de las canciones mas curiosas y originales del disco y que coloca a Marr como un guitarrista con voz propia: la cancion gira a traves de unos arpegios sincopados de rara belleza, creando con la guitarra una melodia propia, independiente de la melodia vocal. La pasional letra de Morrissey hace el resto "no, no podemos aferrarnos a los sueños, a los viejos sueños...¿rige el cuerpo a la mente o la mente al cuerpo?...no lo sé"...

"I dont owe you everything" es quizás la cancion mas sesentera del disco con unas guitarras que son puro jingle jangle. No en vano Sandie Shaw la versioneará unos meses después con The Smiths al completo en la instrumentación.

"What diference does it makes" es el tema mas rockero del disco con su riff distintivo que aparece a lo largo de toda la canción. Sin embargo lo mejor de ella es el entretejido de guitarras que consigue Marr y que sobre todo se aprecia en el ultimo minuto de la canción. Las texturas guitarreras a base de varias pistas, que Johnny consigue en esta canción son impagables.

Johnny Marr explicaba años mas tarde lo mucho que le debe al productor de este disco John Porter, antiguo bajista de Roxy Music. Según Marr, John Porter le dedicó todo el tiempo posible a la grabación de las diferentes pistas de guitarras; probaturas con diferentes microfonos, amplificadores (preferentemente el Fender Twin reverb y el Roland Jazz Chorus 120) y la distancia y altura entre estos.

John Porter no entendía como otros productores le dedicaban 3 y 4 dias a grabar y sonorizar una bateria y a las guitarras se las dejaba para los ultimos dias y a toda prisa. Porter comentaba que si este era un disco de guitarras lo normal era dedicar el mayor tiempo a ellas.

En definitiva The Smiths es un disco que marcará una época y cuyos ecos llegan hasta la música que se hace en estos momentos. Es un disco aparentemente muy convencional pero que encierra muchas enseñanzas que no se captan a la primera y eso es mucho decir cuando te compras un disco...

[Javi Sixties]

Album: [b:26l5ead3]The Rolling Stones "Sticky Fingers"[/b:26l5ead3]
Año: [b:26l5ead3]1971[/b:26l5ead3]
Discográfica: [b:26l5ead3]Rolling Stones Records[/b:26l5ead3]
Temas: [b:26l5ead3]1) Brown sugar 2) Sway 3) Wild horses 4) Can you hear me knocking 5) You gotta move 6) Bitch 7) I got the blues 8 Sister morphine 9) Dead flowers 10) Moonlight mile.[/b:26l5ead3]

Portada: [b:26l5ead3]Andy Warhol[/b:26l5ead3]
Componentes:
Voz y acústicas: [b:26l5ead3]Mick Jagger[/b:26l5ead3]
Guitarras eléctricas: [b:26l5ead3]Keith Richards y Mick Taylor[/b:26l5ead3]
Bajo: [b:26l5ead3]Bill Wyman[/b:26l5ead3]
Bateria: [b:26l5ead3]Charlie Watts[/b:26l5ead3]
Pianos: [b:26l5ead3]Ian Stewart, Jack Nitzsche, Jim Price y Nicky Hopkins y Bill Wyman[/b:26l5ead3]
Slide y acústica: [b:26l5ead3]Ry Cooder[/b:26l5ead3]
Saxo: [b:26l5ead3]Bobby Keyes[/b:26l5ead3]

Portada internacional:
[img:26l5ead3]http://img.photobucket.com/albums/v472/ ... 000W5N.jpg[/img:26l5ead3]

Al ser este un caso especial, pongo tambien la portada franquista (a ver quien se atreve a partir de ahora con las salchichas en lata):

[img:26l5ead3]http://img.photobucket.com/albums/v472/ ... /front.jpg[/img:26l5ead3]

Corría el año 1971 y desde la perfida Albión y justo antes de huir a Francia huyendo del fisco, nos llegó una nueva entrega de sus Satánicas Majestades: El disco de las incognitas con la incorporación de Mick Taylor- conocido guitarrista de blues- como partenaire eléctrico de Mr. Richards, de la ruptura con su anterior manager y compañía, de la provocación hecha portada con su famosa, censurada y costosa portada de la cremallera y a la postre el disco con varios de los riffs más gloriosos de la historia del rock, oigase “Bitch”, ”Brown sugar”, "Can you her me knocking", etc.

Vamos a ver por qué este disco apabullante, lleno de narcóticos, avidez sexual y ritmos negros cimbreantes es considerado por no pocos el mejor de su carrera.

Abre el disco [b:26l5ead3]Brown Sugar [/b:26l5ead3]el epitome del medio tiempo en el rock, un compendio de las señas de identidad clásicas de la banda: Gran riff introductorio que se repite en las partes instrumentales del tema como leif motiv inolvidable y melodía vigorosa que conduce al archiconocido estribillo cantado al alimón por Keef y Jagger.
Continua con [b:26l5ead3]Sway[/b:26l5ead3], una canción que quizas no impacta a la primera... hasta que se pone uno sesudo a analizar la dulce y original melodía que reposa sobre esas bellas partes de piano y electrica. Gran solo de Taylor incluido en el precio.

[b:26l5ead3]Wild horses[/b:26l5ead3] cala hasta los huesos, en mi opinión volando a la misma altura que [b:26l5ead3]Angie[/b:26l5ead3]. Increíble melodía y preciosa letra: “Wild Horses couldn't drag me away…Wild, wild horses, we'll ride them someday”...Dice la leyenda que fué escrita inspirada en la ruptura entre Marianne Faithfull y Mick Jagger.

[b:26l5ead3]Can’t you hear me knocking[/b:26l5ead3] es una auténtica rara avis dentro de la discografía del grupo, una perfecta suite musical con en mi opinión - lejos de ser el más conocido - el mejor riff de toda su dilatada historia: Increíble, abrumadora, explotando en una jam puramente Santana con percusiones latinas y un solo de saxo inolvidable.
Hasta el "hombre tranquilo", Mr. Charlie Watts, está más contundente y vitaminado que nunca, Mick Taylor despeja aquí todas las dudas que los más escépticos tenían sobre el.

La cara B se abre con [b:26l5ead3]Bitch[/b:26l5ead3], la canción de la señorita meretriz que realmente trata sobre "la drogaina": "I'm feeling to tired, can't understand it, just had a fortnights sleep, I'm feeling so tired, so distracted, ain't touched a thing all week" (Me siento tan cansado, no puedo entenderlo, tengo sueño acumulado, me siento tan cansado, tan distraído, no he probado nada en toda la semana) . El tema destaca por llevar una sección de vientos con Bobby Keys (habitual saxo de los Rolling Stones) y con Jim Price (trompeta) memorable por lo sencilla y efectiva y como nó, esplendido riff de Richards marca de la casa.

Más Baladas con raices en el blues y en la tradicción americana: [b:26l5ead3]Sister Morphine[/b:26l5ead3], con el tema recurrente de la heroína y un gran slide de Ry Cooder, censurada en España y sustituida por Let It Rock. Sister Morphine es pura depresión lisergica, un tema brillante que te hace sentir muy oscuro y gris.

[b:26l5ead3]You gotta move[/b:26l5ead3], no pasa de ser una anécdota y relleno en el disco, slides un poco forzados y un blues totalmente prescindible, pero que tampoco deja mal sabor de boca. Como curiosidad, Wyman toca aquí el piano electrico y no el bajo.

[b:26l5ead3]Dead Flowers[/b:26l5ead3] es un country con Mick Jagger a la acústica y Keith y Mick taylor a las eléctricas. El piano es del sexto stone Ian Steward.

Acaba el disco con [b:26l5ead3]Moonlight Mile,[/b:26l5ead3] pura psicodelia con arreglo de cuerdas de Paul Buckmaster, colaborador de Bowie en el Space Oddity.

Un disco cautivador, grandilocuente por momentos y plagado de referencias al sexo y a las drogas… Aquel “sex and drugs and rock and roll" de toda una generación.
Un ejecicio de estilo en el que los Stones se muestran en todo su esplendor lírico, musical y con multitud de temas transcendentes del ideario stoniano y del imaginario colectivo. Rayando muy alto y a la altura de los contemporaneos Let it Bleed y Beggars Banquet.

Quitemonos el sombrero ante [size=150:26l5ead3]los Stones[/size:26l5ead3], que no los Rolling, y dejemos de ser el único pais en el mundo donde aún se les llama por el adjetivo en vez de por el sustantivo.